El trabajo realizado sobre las vanguardias de los siglos XIX y XX me pareció muy útil ya que pude ver un pantallaso de todas estas que predominaron en esa epoca,sinceramente no tenia muchos conocimientos sobre ellas y me gusto trabajar con lo que pensaban y como veían sus obras los autores de las mismas.
Si bien muchas de las vanguardias en las que trabajamos no lograron llamar mi atención hubo algunas que si lo hicieron, una de estas es el op art, ya que esta "juega" con la visión del espectador,me atrae como el autor de cada obra logra con ella un efecto de movimiento y al mismo tiempo hacerla llamativa y agradable a los ojos de cada uno que las observa,tambien son muy llamativos los colores que utilizan y las formas que logran darle a cada una de sus obras.
martes, 7 de mayo de 2013
NEOEXPRESIONISMO
¿cuándo?
El neoexpresionismo es un
movimiento pictórico surgido
a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania,
desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados
Unidos.
Es el primer movimiento de
posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la
época nazi,
a la cual ironizan y ridiculizan.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y
la figuración libre francesa,
este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y
el arte conceptual que predominaron durante
los años setenta.
El
neoimporesionismo busca continuar científica y racionalmente los conocimientos
que los Impresionistas manejaron de modo intuitivo y fortuito y continuar los trabajos sobre color y óptica
trabajados por Delacroix (muere en 1863) Las primeras obras hacen su aparición
en 1886, en la Octava Exposición Impresionista, con Seurat, Signac y C.
Pissarro como exponentes.
¿qué?
Es básicamente
un movimiento de reacción ante el Impresionismo:
habiendo agotado éste su intención estética, la única que tenía en realidad, se
ve incapaz de ir más allá. Sus veteranos, y los jóvenes pintores de París y
otros países europeos influidos por el nuevo estilo, se enfrentan a la
necesidad de abrir nuevas vías de investigación pictórica.
No fueron bien
acogidos por el público ni la crítica. Su nombre es un homenaje a la generación
anterior de pintores impresionistas que hicieron posible su técnica
(Neoimpresionismo) y también debido a su método de trabajo fragmentado
(Divisionismo).
Aunque fue un movimiento de corta
duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a
la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio
artístico de la época.
¿Cómo?
El neoexpresionismo destaca por
obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping",
pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son
obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción.
Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.
los artistas norteamericanos
utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas
o, líneas y contornos muy definidos.
Vuelve a cobrar importancia el
dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color. Las figuras se
hacen geométricas. No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro,
sino que se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos. Sólo
usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. Vuelven al estudio,
ya que sus cuadros requieren una larga elaboración, en ocasiones muy compleja,
que no se puede hace en un momento. La obra resultante suele ser rígida y
artificial.
Además, los pintores neoimpresionistas
siguieron tratando los temas de la vida moderna y del paisaje. Pero trataron de
superar al Impresionismo llevando al extremo el método impresionista de mostrar
los temas. Las obras de Seurat, Signac y Pissarro de esa época se basaban en la
elevación de la mezcla óptica a
principio supremo de la pintura. Se inspiraron en los escritos de Charles
Blanc, así como en las obras de investigadores del color como Chevreul, Sutter
o Rood. Pretendían elaborar sus obras con rigor científico. Fundamentalmente se
basaron en dos principios: 1)En la aplicación de pequeñas pinceladas
yuxtapuestas de colores lo más puros posible, para conseguir la mezcla óptica en la retina del
espectador. 2) En la ley de los
complementarios, que afirma que dos colores complementarios se realzan
mutuamente si se aplican yuxtapuestos sobre el lienzo en pinceladas
independientes, como en mosaico (y se oscurecen hacia un gris oscuro si se
mezclan en la paleta).
¿quién?
Max Beckmann: pintor y grabador
alemán. Estudia, desde 1899, en la Academia de las Artes de Weimar,
perfeccionando su formación en Florencia y en París, donde sienta las bases de
sus conocimientos sobre el impresionismo, y se
interesa por la pintura medieval y renacentista de Piero della Francesca y Signorelli.
En 1906 se une a la secesión berlinesa,
siendo un rebelde de las actividades de vanguardia de su generación. Su
actividad como voluntario del ejército en 1914 le hace transformar su estilo en
un expresionismo muy
personal, reflejo de un realismo descarnado
en busca de una intención filosófica mayor, cobrando las necesidades éticas
gran importancia: en esta época desarrolla un tipo de composición vertical, de
organización bidimensional, característica de toda su obra. En los años veinte
adopta una simbología enigmática que intenta combinar cristianismo y mitología
griega. Inspirándose en la tradición gótica realiza numerosos trípticos, entre
ellos: Partida (MoMA).
Durante la II Guerra Mundial la obra de Beckmann sufre las persecuciones que
los nacional-socialistas dirigen al arte moderno, instalándose en Ámsterdam en
1937 y donde permanece hasta 1947, cuando se traslada a EEUU. Ya en vida,
participa en numerosas exposiciones, considerándose sus trípticos la aportación
más sincera de la cultura alemana a la reflexión sobre la desorientación en el
mundo moderno. Su influencia es notable en el neoexpresionismo alemán
de los años ochenta.
Fuentes:
lunes, 6 de mayo de 2013
HIPERREALISMO
¿cuando?
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés
¿que?
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.
¿como?
El estilo hiperrealista se centra mucho más en los detalles y los temas. Pinturas y esculturas hiperrealistas no son interpretaciones estrictas de las fotografías, ni son ilustraciones literales de una escena en particular o un tema. En su lugar, utilizan adicionales, a menudo sutiles, elementos pictóricos para crear la ilusión de una realidad que de hecho no existe o no puede ser visto por el ojo humano. Además, el tema puede ganar carácter emocional, social, cultural y político, elementos como una extensión de la ilusión visual , una salida distinta de la vieja escuela y mucho más literal que el Fotorealismo.
Pintores y escultores hiperrealistas hacer concesiones a otros medios mecánicos para transferir imágenes en el lienzo o el molde, incluidos los planos preliminares o bases como la grisalla y moldes. Proyecciones de diapositivas fotográficas o proyectores de multimedia se utilizan para proyectar imágenes sobre telas y técnicas rudimentarias tales como la cuadricula también puede ser usadas para asegurar la exactitud.
Las esculturas utilizaron poliésteres aplicados directamente sobre el cuerpo humano o molde. El Hiperrealismo requiere un alto nivel de destreza técnica y virtuosismo para simular una falsa realidad. El Hiperrealismo como tal, incorpora y aprovecha a menudo las limitaciones fotográficas, como la profundidad de campo, la perspectiva y el rango de enfoque. Exagerando estos elementos la obra gana un carácter más real, se crea la ilusión de realidad
¿quienes?
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés
¿que?
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.
¿como?
El estilo hiperrealista se centra mucho más en los detalles y los temas. Pinturas y esculturas hiperrealistas no son interpretaciones estrictas de las fotografías, ni son ilustraciones literales de una escena en particular o un tema. En su lugar, utilizan adicionales, a menudo sutiles, elementos pictóricos para crear la ilusión de una realidad que de hecho no existe o no puede ser visto por el ojo humano. Además, el tema puede ganar carácter emocional, social, cultural y político, elementos como una extensión de la ilusión visual , una salida distinta de la vieja escuela y mucho más literal que el Fotorealismo.
Pintores y escultores hiperrealistas hacer concesiones a otros medios mecánicos para transferir imágenes en el lienzo o el molde, incluidos los planos preliminares o bases como la grisalla y moldes. Proyecciones de diapositivas fotográficas o proyectores de multimedia se utilizan para proyectar imágenes sobre telas y técnicas rudimentarias tales como la cuadricula también puede ser usadas para asegurar la exactitud.
Las esculturas utilizaron poliésteres aplicados directamente sobre el cuerpo humano o molde. El Hiperrealismo requiere un alto nivel de destreza técnica y virtuosismo para simular una falsa realidad. El Hiperrealismo como tal, incorpora y aprovecha a menudo las limitaciones fotográficas, como la profundidad de campo, la perspectiva y el rango de enfoque. Exagerando estos elementos la obra gana un carácter más real, se crea la ilusión de realidad
¿quienes?
Antonio
López nació en 1936 en Tomelloso, provincia de Ciudad Real y desde muy joven
supo que su vida iba a estar dedicada a transmitir mediante la pintura. Por las
características de su obra, se ha convertido en uno de los máximos exponentes
del hiperrealismo, y es
que más que pinturas, en ocasiones, parecen fotografías. Es impresionante la
forma que tiene de reflejar en el lienzo todo lo que ve.
En
su obra vemos un minucioso estudio de la forma, de los detalles y una
clara intención de plasmar la realidad de la manera más fiel posible. De
esta forma, parece casi imposible encontrar diferencias entre la imagen real y
la pintura de Antonio López. Como vemos en una de sus obras más conocidas, La
Gran Vía de Madrid. Es muy común en su obra, ver paisajes o escenarios de
la vida cotidiana, como un baño o una cocina, y figuras humanas realizando
tareas diarias.
También
en escultura podemos ver trabajos del maestro, que muestran detalles profundos de las formas, como se observa en la
cabeza de bebé gigante.
Destaca
sobre el resto de pintores de su generación por salirse de la tendencia actual,
que tiende a lo abstracto
fuentes:http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://www.justart-e.com/pinturas.html
http://queaprendemoshoy.com/antonio-lopez-maestro-del-hiperrealismo/
POP ART
¿Cuándo?
Sin duda el nacimiento de este
movimiento (década de los cincuentas) es el reflejo de unos años turbulentos;
la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que
sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en
dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien
ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos.
Lógicamente, producto de este
periodo (Guerra Fría)
nacerán movimientos que reflejen la deshumanización del hombre. Comienzan a
darse cuenta de la frialdad y de lo que es capaz el hombre. Vieron al hombre
como una escoria; por lo tanto sólo podría producir basura. Puede decirse que
1945 supuso partir de cero o, por lo menos, de unos presupuestos radicalmente
nuevos. La sensación de angustia o de absurdo, la meditación sobre el pasado
inmediato y la responsabilidad individual o colectiva ante él o la misma
sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se vivía, temas todos
ellos presentes en la creación literaria y artística de la posguerra, tan sólo
pueden entenderse a partir de esos presupuestos. El centro y fuente de
inspiración del Pop Art será el modelo reinante hasta nuestros días: Estados
Unidos y la sociedad capitalista.
Puede afirmarse que el pop-Art es
el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la
popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda
y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Este movimiento artístico quiso
ir contra todas las leyes y cánones establecidos. Sus artistas fueron reacios a
la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto,
promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos
muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El
por art fue uno de muchos movimientos que intentó transmitir este sentimiento.
¿Qué?
El arte pop es
un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence Alloway utiliza por
primera vez el término pop art. Con esta abreviatura Alloway se refería al arte
popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como objeto
principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su
destinatario. Se trataba de un arte ciudadano, originario de las grandes
ciudades y totalmente alienado de la naturaleza, un arte que usaba imágenes
conocidas con un sentido diferente para obtener una nueva estética o para
conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.
¿Cómo?
Los artistas pop pintaban en un
lenguaje figurativo temas de la sociedad de consumo, como botellas de
refrescos, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle. Su temática directa
y clara lo convirtió en un arte accesible al público en general.
Utilizaban Colores puros,
brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria.
Los representantes del Pop Art
utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde
el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la
producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas
ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más
industrializada.
Incluyeron además esculturas, así
como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico.
Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica,
ocuparon un lugar destacado.
¿Quién?
Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido
comoAndy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que
desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional,
Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura,cine de vanguardia y literatura,
notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su
rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e
intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades
de Hollywood,
drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Su primera exposición individual
fue en la galería californiana Ferusel. Era
el 9 de julio de 1962 y marcó el debut
del movimiento pop art en la costa oeste.Cuatro
meses más tarde, entre el 6 y 24 de
noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York.
Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó El
díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100
billetes de dólar.
En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento.
En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento.
fuentes:
http://alittleofpopart.blogspot.com.ar/2011/11/caracteristicas-principales-y-tecnicas.html
OP ART
¿Cuándo?
Nos centramos en 1964, concretamente en los Estados Unidos.
Es un país todavía consternado por el asesinato del presidente Kennedy, momento
de auge de los movimientos a favor de los derechos sociales, y momento de
invasión la música pop / rock. En general, nos centramos en un momento en el
que la gente está demasiado obsesionada en conseguir un estilo de vida idílico.
Dadas las circunstancias, es el momento perfecto para el nacimiento de un nuevo
movimiento artístico.
Llegamos al octubre de 1964. Un artículo describe éste nuevo estilo de arte. La revista Times utiliza la palabra “Optical Art”, o “Op Art” como es más conocido. El término se refiere al hecho de que el Op Art hace hincapié en las ilusiones, y muchas veces aparece en el ojo humano para ser movido o acompañado en una precisa, y matemática composición.
En 1965 la mayor exposición de Op Art se titula The Responsive Eye (el ojo sensible). Es en aquella exposición donde la gente queda fascinada por el nuevo movimiento. Como resultado, el Op Art empieza a extenderse en diferentes medios como, por ejemplo, en gráficas, publicidad televisiva, e incluso en algún álbum LP como motif cool para vestir una preciosa decoración interior.
Llegamos al octubre de 1964. Un artículo describe éste nuevo estilo de arte. La revista Times utiliza la palabra “Optical Art”, o “Op Art” como es más conocido. El término se refiere al hecho de que el Op Art hace hincapié en las ilusiones, y muchas veces aparece en el ojo humano para ser movido o acompañado en una precisa, y matemática composición.
En 1965 la mayor exposición de Op Art se titula The Responsive Eye (el ojo sensible). Es en aquella exposición donde la gente queda fascinada por el nuevo movimiento. Como resultado, el Op Art empieza a extenderse en diferentes medios como, por ejemplo, en gráficas, publicidad televisiva, e incluso en algún álbum LP como motif cool para vestir una preciosa decoración interior.
¿Qué?
El Op art, también conocido como optical
art, es un estilo1 de arte
visual que hace uso de ilusiones ópticas.
En las obras de op art el observador participa activamente
moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente,
por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras.
Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o
sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos,
los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras;
también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados,
triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una
nueva generación de artistas abstractos.
No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que
exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar
mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un
movimiento pictórico mientras que el arte
cinéticoes más bien escultórico. En esta época el centro del arte es,
definitivamente, Nueva York.
¿Cómo?
En lo que se refiere a las características claves del estilo
podemos decir primero y principalmente, que el Op Art existe para idiotizar el
ojo. Las composiciones Op crean un complejo de tensiones visuales en la mente
del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento. Por
ejemplo, el cuadro de Bridget Riley (1977) titulado Dominance Portfolio nos da
la sensación de que las olas empiezan a bailar por delante de nuestros ojos
aunque sabemos que, como es comprensible, cualquier obra de Op Art es plana,
estática y bidimensional. Los ojos empiezan a enviar al cerebro el mensaje de
que aquello es visto como algo que oscila, parpadea, late y otros verbos que
puedan emplearse para decir: “éste dibujo se está moviendo!”.
Una segunda característica del estilo es que como se basa geométricamente en la natura, el Op Art es en la mayoría de las ocasiones, no representativo.
En tercer lugar, los elementos empleados (color, líneas, y formas) son cuidadosamente empleados para encontrar el efecto máximo.
Seguidamente, las técnicas que utiliza el Op Art son habitualmente la yuxtaposición del color (con matices cromáticos identificables) o acromático (negro, blanco o gris).
Finalmente, en el Op Art a diferencia de otros estilos, los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia. Op Art no puede ser creado sin ambos.
Una segunda característica del estilo es que como se basa geométricamente en la natura, el Op Art es en la mayoría de las ocasiones, no representativo.
En tercer lugar, los elementos empleados (color, líneas, y formas) son cuidadosamente empleados para encontrar el efecto máximo.
Seguidamente, las técnicas que utiliza el Op Art son habitualmente la yuxtaposición del color (con matices cromáticos identificables) o acromático (negro, blanco o gris).
Finalmente, en el Op Art a diferencia de otros estilos, los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia. Op Art no puede ser creado sin ambos.
¿Quién?
Victor Vasarely (Pecs, 1908 -
París, 1997) Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se
empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado
ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y
combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las
cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su
obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual
que producen, motivada por el engaño perceptivo.
Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de
Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para
agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un
arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin
puntos de fuga.
Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los
Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948
expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce
nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras
de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los
años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The
Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como
individuales en Europa y América.
Recibe el Premio Internacional Guggenheim en 1964 y el Gran
Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965. En estos años realiza obras
bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales
que requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto
cinético. A finales de los años sesenta recibe nuevos reconocimeintos a su
trabajo, como el Premio de Pintura del Instituto Carnegie de Pittsburg.
Participa, entre otras, en la exposición titulada Lumière et Mouvement en
el Museo de Arte Moderno de París en 1967. En 1970 se inaugura el Museo
Didáctico Vasarely en el castillo de Gordes en Vaucluse y en 1976 se inaugura
la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence.
fuentes:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasarely.htm
fuentes:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasarely.htm
SURREALISMO
¿Cuándo?
El Surrealismo es una exploración de
asociaciones sólo surgen cuando el psique interno se desprende de toda forma de
restricción moral, religiosa o social. El contexto histórico del que surge fue
por un lado la Primera Guerra Mundial y por el otro unas raíces bien plantadas
en el Dada, ambos le imprimieron una explosiva combinación con una libertad
inusitada. Aunado a ello, Freud con sus estudios sobre los sueños y el
subconsciente van a ser el nuevo camino a explorar.
El surrealismo siempre es un juego de
posibilidades, las cuales serían imposibles de concebir en la realidad;
explico, en el mundo “real” todo es un tanto predecible, todo está dado, todo
sucede porque la física de las cosas es algo de todos los días.
Los surrealistas, con su representante André Bretón (1896-1966) trabajan
la liberación del subconsciente y con ello proponen una nueva visión del arte. Decía Bretón, el surrealismo es automatismo, trata de liberar los
procesos de mentales del pensamiento de cualquier forma de razón estética o
moral. Con ello el surrealismo busca fusionar la realidad con la fantasía, lo
normal con lo patológico, entre el sueño y la realidad. Para poder liberar a ese
subconsciente los surrealistas desarrollaron toda una serie de técnicas.
¿Qué?
El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido
en Francia a
partir del dadaísmo, en la década de los años 1920,
en torno a la personalidad del poeta André
Breton.
Los surrealistas persiguen la
verdad mediante escrituras
automáticas donde se omiten las correcciones racionales. Los
escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión
de emociones.
El Surrealismo creía en la
existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo,
ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo,
la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y
destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la
imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías
del psicoanálisis de Freud.
La primera fecha histórica del
movimiento es 1916,
Durante los siguientes años se da
un confuso encuentro con el dadaísmo.
Estos movimientos artísticos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a
la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre
ellos durante su desarrollo.
En 1928 Breton escribió El
surrealismo y la pintura, donde explica sobre el inconciente, la realidad, los
deseos y los sueños, y como el Surrealismo propone trasladar esas imágenes al
mundo del arte, por medio de una asociación mental libre que no presta atención
a la razón o la conciencia. Eligiendo como método el automatismo.
¿Cómo?
Se distinguieron dos modos de
hacer arte surrealista: 1) defendía el automatismo, donde se encontraban los
surrealistas abstractos como Joan Miró y André Masson, quienes creaban
universos figurativos propios. En el automatismo las ideas y las asociaciones
de imágenes, surgen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para
nada de la coherencia y el sentido, 2) Otro modo que la figuración naturalista
podía ser un recurso igual de válido. Donde los surrealistas figurativos
como Salvador Dalí , René Magritte , Paul Delvaux, Estéfano Viu o
Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el realismo mágico.
Las técnicas surrealistas fueron:
La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos. El Collage y el
ensamblaje de objetos. El Forttage, es decir, dibujos logrados por el roce de
superficies rugosas contra el papel o el lienzo. La técnica del “Cadáver Exquisito”
o la pintura automática, en donde varios artistas dibujaban las distintas
partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando
imágenes interesantes e ilógicas. El automatismo. La inspiración en el
pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo. Además se interesaron por el
arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Además
tenían preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.
Desarrollaron la decalcomanía (aplicargouache negro
sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una
ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen),y otros
procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado,
el fumage y la distribución
de arena sobre
el lienzo encolado
¿Quiénes?
Jacek
Yerka nació en 1953 en una pequeña ciudad al norte de Polonia.
Realizó
estudios de arte en la Universidad.
Por
sus paisajes surrealista y fantásticos es conocido como el pintor de los
sueños.
Yerka combina colores como un mago, paisajes, lugares de su infancia,
objetos cotidianos, y seres fantásticos.
Las pinturas de Yerka nos
llevan al sueño, al asombro, a la fascinación, a islas imaginarias a países
donde sólo llegan los ojos del niño.
Nos tiende una mano para
atravesar el espejo y conducirnos a un mundo marino o celestial, a bosques o
ciudades llenas de color, a los mundos del sueño, el asombro y el misterio, a
su particular mundo de las maravillas..jpg)
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fuentes:
http://vanguardias-sigloxx.blogspot.com.ar/http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/04/caracteristicas-del-surrealismo/
DADAISMO
¿Cuándo?
En un periodo de frenética
imaginación creativa -los primeros veinte años del siglo XX- nace,
concretamente, entre 1915 y 1917, el movimiento dadaísta. Tanto el futurismo
como el expresionismo, el surrealismo y las otras tendencias de nuestro siglo
representan, más que una actitud deliberada, la expresión de una forma
particular del ser, de reaccionar frente la experiencia vital. Entre estos
movimientos el dadaísmo es el que reacciona de manera más violenta y
extremista, cuestionando todos los valores estéticos y éticos tradicionales
que, según los criterios de sus militantes, habían llevado a la civilización
occidental a la barbarie y al horror de la primera guerra mundial.
Los dadaístas consideraban el
arte como el sostén de una sociedad burguesa lanzada al fracaso y le daban la
culpa de no haberla dirigido a mejor fin. Es fácil suponer la repercusión de
estas afirmaciones en una sociedad que, heredera de los conceptos románticos,
consideraba el artista como un ser singular, privilegiado y dotado de
facultades poco comunes. Para el dadaísmo, el artista era un hombre sin ningún
tipo de aptitudes especiales y era necesario considerarlo como tal.
Las posiciones con relación a la
Primera Guerra Mundial fueron dos, a grandes rasgos. Una posición era la aquellos
que consideraban la guerra como una consecuencia lógica de la evolución del
capitalismo y, por lo tanto, propugnaban una negación de la historia pasada y
preconizaban un retorno al punto cero y “ésta” es la postura dadaísta; y otra
posición era la postura del constructivismo, de la arquitectura racional y del
diseño.
¿Qué?
Dadá apareció, más que como
un movimiento, como un antimovimiento, como una proposición de liquidación
general de los monopolios artísticos: Dadá instaura el desorden y la anarquía
en todas las disciplinas del arte. La paradoja de Dadá es que, gracias a su
empresa de destrucción, proporcionó a sus representantes más intolerantes
nuevos materiales de creación.
Dadá nace en Zurich en el año
1916, en el Cabaret Voltaire, teniendo en cuenta las particularidades y el
ambiente de la ciudad: era el corazón de la no-guerra. El grupo inicial estaba
formado por Hans Arp (poeta y pintor, colaborador de Der Blaue Reiter),
Richard Huelsenbeck (poeta), Tristan Tzara (filósofo), Maner Janco (arquitecto),
Hugo Ball (hombre de teatro alemán).
¿Cómo?
En su voluntad revisionista y
desmitificadora, empieza dudando de la utilidad del arte y, antes que nada, de
su valoración material.
Se esforzó en elevar a la
dignidad de arte los objetos simples y cotidianos, los famosos ready-made (productos
manufacturados), como prueba que el arte era, sobretodo, una actitud mental que
residía en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en
una sala de exposiciones, éste apreciaba las cualidades estéticas y no las
utilitarias que normalmente sugieren.
Todas las aparentes
excentricidades del grupo, lejos de ser un puro entretenimiento cínico,
respondían a auténticas inquietudes para la renovación de los valores
artísticos y un nuevo planteamiento de la estética tradicional partiendo de
cero. Efectivamente, el dadaísmo supuso en primer lugar una revolución
artística destructiva, iconoclasta y, hasta cierto punto, nihilista (no cree en
nada, ni siquiera en el futuro, la máquina o el progreso).
Se expresa a través de muchas
técnicas y artes: pintura, escultura, collage, hacen teoría, mino, baile,
fotografía o fotomontajes.
Lo que da indicios de que una
obra es dadaista es, que no tiene explicación y en ello está precisamente su
provocacionl. Para ello utiliza diferentes medios:el automatismo, haciendo
obras sin pensar en ellas ni en su sentido para que el resultado sea caótico e
incomprensible. Utilizan el azar para molestar. Hacen antimecanismos.
-utilizan el azar para molestar.
¿Quién?Raoul Hausmann (1886 - 1971) fue un artista y escritor austríaco. Con el seudónimo Der Dadasopheejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas institucionales enAlemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundialesNació en Viena el 12 de julio de 1886, pero con catorce años su familia se trasladó a Berlín. Su padre era pintor y restaurador de pinturas por lo que le enseñó estas técnicas, posteriormente estuvo estudiando en una escuela privada de arte en Berlín.
¿Quién?Raoul Hausmann (1886 - 1971) fue un artista y escritor austríaco. Con el seudónimo Der Dadasopheejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas institucionales enAlemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundialesNació en Viena el 12 de julio de 1886, pero con catorce años su familia se trasladó a Berlín. Su padre era pintor y restaurador de pinturas por lo que le enseñó estas técnicas, posteriormente estuvo estudiando en una escuela privada de arte en Berlín.
Fue uno de los
fundadores del club junto a Richard Huelsenbeck, que el 22 de enero de 1918
hizo la primera proclama dadaísta en Alemania en la galería de arte IB Neumann.
A los pocos días el club se
formó estando integrado por Hausmann, Huelsenbeck, George Grosz, John Heartfield, Jung, Höch, Walter
Mehring and
Baader.
De éste modo
Hausmann se convierte en el descubridor del fotomontaje que
fue la técnica más empleada por el movimiento Dadá y que tuvo gran influencia
en otros autores y movimientos pictóricos posteriores. Otra de sus aportaciones
son los poemas optofonéticos en los emplea de un modo
particular los sonidos.4 También
crea poemas por medios automáticos o por combinaciones mecánicas diversas y
diversas técnicas tipográficas en el marco del experimentalismo
En 1919 edita
junto a Baader la publicación Der Dada, con el permiso de Tristan Tzara para
utilizar ese nombre, la revista contenía dibujos, temas polémicos, poemas y
sátiras tipografiados con una multiplicidad de fuentes y de signos.
En 1920 el club
organiza su más importante evento con cerca de 200 obras de artistas como Francis
Picabia, Hans Arp, Max Ernst, Otto Dix y Rudolf
Schlichter, así como las principales obras de Grosz, Höch y
Hausmann.
En 1937 ante la
persecución a los intelectuales realizada por el régimen nazi emigró a Ibiza, pero tuvo que
abandonarla en 1938 ante la entrada de las tropas alemanas que apoyaban a Franco.
Durante la segunda guerra mundial se refugió en Peyrat-le-Château y en 1948 se fue a vivir
a Limoges donde estuvo residiendo hasta su muerte en 1971. Durante este tiempo
tuvo una producción muy diversa abordando disciplinas como la pintura, el
collage, el fotomontaje, la fotografía e incluso la escultura. En 1958 apareció
un lbro de memorias titulado Courrier Dada, posteriormente
reeditado.
Fuentes:
domingo, 5 de mayo de 2013
ARTE ABSTRACTO
¿Cuándo?
El arte abstracto es el estilo
artístico, es la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a
realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción alrealismo,
e influido por la aparición de la fotografía que
provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más
significativas del arte del siglo XX.
En sus inicios, el arte abstracto
dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la
Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso
del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas
de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad
como un arte propio.
Desde sus comienzos, el arte
abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al
fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es
rigurosamente geométrico.
La tradición abstracta conoció un
importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940
con la Action Painting y con la Colour-Field Painting.
El final de la década de 1960
vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios
componentes, con los grupos BMPT y Support(s)-Surface(s) en
Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de
la imagen con Sigmar Polke y Gerhard
Richter en Alemania. Las tendencias a la vez neoexpresionistas y
neogeométricas que
se pusieron de manifiesto durante la década de 1980 mostraron un
nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos
artistas inspirados por las más variadas motivaciones
¿Qué?
Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto
de arte figurativo, que remite a lo más esencial
del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La
abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la
imitación o reproducción fiel o
verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de
cualquier modelo exterior a la
conciencia del artista.
Deja de considerar justificada la
necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje
visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía).
El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma,
color y línea para crear una composición que puede existir con
independencia de referencias visuales del mundo real.
El concepto de arte abstracto se
aplica a muchas y distintas artes
visuales: pintura (pintura
abstracta), escultura (escultura abstracta) yartes
gráficas (artes gráficas abstractas).
Su aplicación a otras artes
plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o
a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es
menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.
¿Cómo?
En la pintura abstracta, la obra de arte se
convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino
simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior.
Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un
lenguaje sin forma y la libertad cromática.
A lo largo del siglo XX ha habido
muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura
abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta.
También existe la expresión con
estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas
y constructivas.
¿Quiénes?
Dentro de esta tendencia, cada
artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la
mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el
control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que
va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer libremente.
La aventura pictórica es completamente nueva: en vez de ir de un significado
para construir signos, el artista comienza por la fabricación de signos y da a
continuación el sentido. Las características plásticas son: la espontaneidad
del gesto,
el automatismo, el empleo expresivo de la materia, inexistencia de ideas
preconcebidas, la experiencia de lo hecho hace nacer la idea, la obra es el
lugar y el momento privilegiado en que el artista se descubre; es el final de
la reproducción del objeto para la representación del tema que se convierte en
la finalidad de la pintura,
con un aspecto a veces caligráfico.
Vasili Kandinski o Wassily
Kandinsky ( 1866 - 1944) fue un pintor ruso, precursor de
la abstracción en pintura y teórico del arte,
con él se considera que comienza la abstracción lírica (tendencia dentro de
la pintura abstracta que se desarrolló a
partir de 1910 que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo
de la pintura abstracta).
Kandinsky nació en Moscú en 1866,
en el seno de una familia acomodada. Pasó la mitad de su vida en Alemania y
Francia, pero conservó un fuerte vínculo con su ciudad.
Estudió derecho y economía y su
brillante carrera le deparó una cátedra en Estonia.
En 1896 renuncia a la cátedra
para marchar a Munich y dedicarse de lleno a la vida artística.
En Munich Kandinsky pronto se
transforma en un promotor de exposiciones y movimientos. En esos grupos se
encuentran impresionistas, simbolistas y modernistas. Los tres movimientos que
más van a influir en su obra. Conoce a Paul Klee con el que va a coincidir
en La Bauhaus y a Gabriele Münter ,una pintora con la que viajará por
Europa exponiendo en los salones de Otoño y los independientes de París en
donde va a conocer a los fauvistas y al cubismo.
Funda la
Nueva Asociación de Artistas de Munich y su estilo y también su
ideología van a comenzar a cambiar hasta desembocar en la abstracción. Todavía
en su obra aparecen cuadros figurativos pero ya los temas se diluyen más en
formas coloreadas de fuerte influencia fauve.
Comienza un desdoblamiento
figuración-abstracción. Escribe “De lo espiritual en el Arte” y en 1912 junto a
Jaswlensky y Münter funda “El JineteAzul” el famoso grupo de Munich. Allí
Kandinsky está ya totalmente sumergido en el arte abstracto.
Los último de su creación se
centra en figuras biomórficas y orgánicas.
Murió en 1944.
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Composición VII - Munich -1913
Esta Composición es una de
sus famosas “Composiciones” (“visiones internas” similares a una sinfonía),
concretamente la número VII. Es uno de los cuadros más ambiciosos de toda su
carrera.
Lo realizó en poco más de tres
días y medio y venía a ser un compendio de todo lo que ya presagiaba su
trayectoria de los últimos años.
Para esta “composición VII” realizó
unos treinta estudios preliminares. Partió de un punto y lo fue ampliando a
base de colores, formas y líneas de fuertes contrastes entre sí, en las que
alternó zonas de pintura muy diluida con otras de fuerte empaste
Es un cuadro totalmente abstracto
pero no por eso carece de significado. El siempre dijo que su idea era crear un
arte espiritual para un mundo materialista y enfermo. Que el espectador pudiera
“entrar” y “pasearse” por el cuadro.
El tema es apocalíptico y alude
al diluvio pero también a un renacimiento jubiloso. Era un grito esperanzador
ante la violencia de la primera guerra mundial y la revolución en su país.
Fuentes:
sábado, 4 de mayo de 2013
FUTURISMO
¿Cuándo?
Movimiento
literario y artístico que surge en Milán, Italia, en el primer
decenio del S. XX y desde la ciudad lombarda se difundió con rapidez por
algunos países de Europa, siendo en París donde se establecerá el otro núcleo
de producción futurista.
A comienzos
de 1913 el Futurismo está en su esplendor, teniendo incluso su propia revista,
"Lacerba". El movimiento
futurista es en realidad un exponente de la crisis cultural del siglo XX, que
tuvo como consecuencia más inmediata las dos guerras mundiales. El presentimiento de la Primera Guerra Mundial es
saludado con entusiasmo por los futuristas que confían en que una destrucción
total permita construir desde cero la nueva cultura occidental.
Este
movimiento gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el
periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto
Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo
un arte anticlasicista orientado al futuro, que responde en sus formas
expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad
masificada en las grandes ciudades.
¿Qué?
El Futurismo fue una vanguardia que creó un arte nuevo acorde con la
mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades, que buscaba
reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las
cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual, la
deshumanización, y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo
tradicional, el pasado y el academicismo.
Fue uno de los primeros
"ismos" o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de
ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama
artístico en los albores del siglo XX.
Además las ideas revolucionarias del futurismo, no deseaban limitarse al
arte, sino que, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética
futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del
deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue
politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo
partido ingresó Marinetti en 1919.
¿Cómo?
La característica principal del
futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la
dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir
un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. la representación
del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las
posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza,
intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del
anverso y del reverso de la figura.
Buscaban por todos los medios,
reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es
estático. Lo hacían a través de la
multiplicación de líneas y detalles, para dar como resultado la impresión de
dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan
caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de
brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y
el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes,
guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo
o simbolismo. Además utilizan colores resplandecientes, en donde el color se
convierte en una mancha bulliciosa donde los pigmentos se mezclan y se
descomponen caóticamente.
¿Quiénes?
Tal vez pueda ser considerada como la
primera vanguardia moderna auténticamente agresiva, porque busca la completa
disolución del artista con el pasado y, anuncia un arte y un mundo más en
consonancia con el paisaje urbano.
Luigi Russolo (1885 - 1947) fue un pintor futurista y compositor italiano.
Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.
Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.
Dinamismo di un treno, 1912
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