¿Cuándo?
Nos centramos en 1964, concretamente en los Estados Unidos.
Es un país todavía consternado por el asesinato del presidente Kennedy, momento
de auge de los movimientos a favor de los derechos sociales, y momento de
invasión la música pop / rock. En general, nos centramos en un momento en el
que la gente está demasiado obsesionada en conseguir un estilo de vida idílico.
Dadas las circunstancias, es el momento perfecto para el nacimiento de un nuevo
movimiento artístico.
Llegamos al octubre de 1964. Un artículo describe éste nuevo estilo de arte. La revista Times utiliza la palabra “Optical Art”, o “Op Art” como es más conocido. El término se refiere al hecho de que el Op Art hace hincapié en las ilusiones, y muchas veces aparece en el ojo humano para ser movido o acompañado en una precisa, y matemática composición.
En 1965 la mayor exposición de Op Art se titula The Responsive Eye (el ojo sensible). Es en aquella exposición donde la gente queda fascinada por el nuevo movimiento. Como resultado, el Op Art empieza a extenderse en diferentes medios como, por ejemplo, en gráficas, publicidad televisiva, e incluso en algún álbum LP como motif cool para vestir una preciosa decoración interior.
Llegamos al octubre de 1964. Un artículo describe éste nuevo estilo de arte. La revista Times utiliza la palabra “Optical Art”, o “Op Art” como es más conocido. El término se refiere al hecho de que el Op Art hace hincapié en las ilusiones, y muchas veces aparece en el ojo humano para ser movido o acompañado en una precisa, y matemática composición.
En 1965 la mayor exposición de Op Art se titula The Responsive Eye (el ojo sensible). Es en aquella exposición donde la gente queda fascinada por el nuevo movimiento. Como resultado, el Op Art empieza a extenderse en diferentes medios como, por ejemplo, en gráficas, publicidad televisiva, e incluso en algún álbum LP como motif cool para vestir una preciosa decoración interior.
¿Qué?
El Op art, también conocido como optical
art, es un estilo1 de arte
visual que hace uso de ilusiones ópticas.
En las obras de op art el observador participa activamente
moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente,
por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras.
Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o
sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos,
los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras;
también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados,
triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una
nueva generación de artistas abstractos.
No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que
exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar
mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un
movimiento pictórico mientras que el arte
cinéticoes más bien escultórico. En esta época el centro del arte es,
definitivamente, Nueva York.
¿Cómo?
En lo que se refiere a las características claves del estilo
podemos decir primero y principalmente, que el Op Art existe para idiotizar el
ojo. Las composiciones Op crean un complejo de tensiones visuales en la mente
del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento. Por
ejemplo, el cuadro de Bridget Riley (1977) titulado Dominance Portfolio nos da
la sensación de que las olas empiezan a bailar por delante de nuestros ojos
aunque sabemos que, como es comprensible, cualquier obra de Op Art es plana,
estática y bidimensional. Los ojos empiezan a enviar al cerebro el mensaje de
que aquello es visto como algo que oscila, parpadea, late y otros verbos que
puedan emplearse para decir: “éste dibujo se está moviendo!”.
Una segunda característica del estilo es que como se basa geométricamente en la natura, el Op Art es en la mayoría de las ocasiones, no representativo.
En tercer lugar, los elementos empleados (color, líneas, y formas) son cuidadosamente empleados para encontrar el efecto máximo.
Seguidamente, las técnicas que utiliza el Op Art son habitualmente la yuxtaposición del color (con matices cromáticos identificables) o acromático (negro, blanco o gris).
Finalmente, en el Op Art a diferencia de otros estilos, los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia. Op Art no puede ser creado sin ambos.
Una segunda característica del estilo es que como se basa geométricamente en la natura, el Op Art es en la mayoría de las ocasiones, no representativo.
En tercer lugar, los elementos empleados (color, líneas, y formas) son cuidadosamente empleados para encontrar el efecto máximo.
Seguidamente, las técnicas que utiliza el Op Art son habitualmente la yuxtaposición del color (con matices cromáticos identificables) o acromático (negro, blanco o gris).
Finalmente, en el Op Art a diferencia de otros estilos, los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia. Op Art no puede ser creado sin ambos.
¿Quién?
Victor Vasarely (Pecs, 1908 -
París, 1997) Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se
empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado
ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y
combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las
cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su
obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual
que producen, motivada por el engaño perceptivo.
Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de
Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para
agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un
arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin
puntos de fuga.
Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los
Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948
expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce
nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras
de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los
años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The
Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como
individuales en Europa y América.
Recibe el Premio Internacional Guggenheim en 1964 y el Gran
Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1965. En estos años realiza obras
bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales
que requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto
cinético. A finales de los años sesenta recibe nuevos reconocimeintos a su
trabajo, como el Premio de Pintura del Instituto Carnegie de Pittsburg.
Participa, entre otras, en la exposición titulada Lumière et Mouvement en
el Museo de Arte Moderno de París en 1967. En 1970 se inaugura el Museo
Didáctico Vasarely en el castillo de Gordes en Vaucluse y en 1976 se inaugura
la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence.
fuentes:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasarely.htm
fuentes:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasarely.htm
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