¿Cuándo?
El arte abstracto es el estilo
artístico, es la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a
realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción alrealismo,
e influido por la aparición de la fotografía que
provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más
significativas del arte del siglo XX.
En sus inicios, el arte abstracto
dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la
Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso
del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas
de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad
como un arte propio.
Desde sus comienzos, el arte
abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al
fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es
rigurosamente geométrico.
La tradición abstracta conoció un
importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940
con la Action Painting y con la Colour-Field Painting.
El final de la década de 1960
vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios
componentes, con los grupos BMPT y Support(s)-Surface(s) en
Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de
la imagen con Sigmar Polke y Gerhard
Richter en Alemania. Las tendencias a la vez neoexpresionistas y
neogeométricas que
se pusieron de manifiesto durante la década de 1980 mostraron un
nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos
artistas inspirados por las más variadas motivaciones
¿Qué?
Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto
de arte figurativo, que remite a lo más esencial
del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La
abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la
imitación o reproducción fiel o
verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de
cualquier modelo exterior a la
conciencia del artista.
Deja de considerar justificada la
necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje
visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía).
El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma,
color y línea para crear una composición que puede existir con
independencia de referencias visuales del mundo real.
El concepto de arte abstracto se
aplica a muchas y distintas artes
visuales: pintura (pintura
abstracta), escultura (escultura abstracta) yartes
gráficas (artes gráficas abstractas).
Su aplicación a otras artes
plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o
a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es
menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.
¿Cómo?
En la pintura abstracta, la obra de arte se
convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino
simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior.
Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un
lenguaje sin forma y la libertad cromática.
A lo largo del siglo XX ha habido
muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura
abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta.
También existe la expresión con
estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas
y constructivas.
¿Quiénes?
Dentro de esta tendencia, cada
artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la
mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del gesto, rechazando el dibujo y el
control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que
va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer libremente.
La aventura pictórica es completamente nueva: en vez de ir de un significado
para construir signos, el artista comienza por la fabricación de signos y da a
continuación el sentido. Las características plásticas son: la espontaneidad
del gesto,
el automatismo, el empleo expresivo de la materia, inexistencia de ideas
preconcebidas, la experiencia de lo hecho hace nacer la idea, la obra es el
lugar y el momento privilegiado en que el artista se descubre; es el final de
la reproducción del objeto para la representación del tema que se convierte en
la finalidad de la pintura,
con un aspecto a veces caligráfico.
Vasili Kandinski o Wassily
Kandinsky ( 1866 - 1944) fue un pintor ruso, precursor de
la abstracción en pintura y teórico del arte,
con él se considera que comienza la abstracción lírica (tendencia dentro de
la pintura abstracta que se desarrolló a
partir de 1910 que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo
de la pintura abstracta).
Kandinsky nació en Moscú en 1866,
en el seno de una familia acomodada. Pasó la mitad de su vida en Alemania y
Francia, pero conservó un fuerte vínculo con su ciudad.
Estudió derecho y economía y su
brillante carrera le deparó una cátedra en Estonia.
En 1896 renuncia a la cátedra
para marchar a Munich y dedicarse de lleno a la vida artística.
En Munich Kandinsky pronto se
transforma en un promotor de exposiciones y movimientos. En esos grupos se
encuentran impresionistas, simbolistas y modernistas. Los tres movimientos que
más van a influir en su obra. Conoce a Paul Klee con el que va a coincidir
en La Bauhaus y a Gabriele Münter ,una pintora con la que viajará por
Europa exponiendo en los salones de Otoño y los independientes de París en
donde va a conocer a los fauvistas y al cubismo.
Funda la
Nueva Asociación de Artistas de Munich y su estilo y también su
ideología van a comenzar a cambiar hasta desembocar en la abstracción. Todavía
en su obra aparecen cuadros figurativos pero ya los temas se diluyen más en
formas coloreadas de fuerte influencia fauve.
Comienza un desdoblamiento
figuración-abstracción. Escribe “De lo espiritual en el Arte” y en 1912 junto a
Jaswlensky y Münter funda “El JineteAzul” el famoso grupo de Munich. Allí
Kandinsky está ya totalmente sumergido en el arte abstracto.
Los último de su creación se
centra en figuras biomórficas y orgánicas.
Murió en 1944.
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Composición VII - Munich -1913
Esta Composición es una de
sus famosas “Composiciones” (“visiones internas” similares a una sinfonía),
concretamente la número VII. Es uno de los cuadros más ambiciosos de toda su
carrera.
Lo realizó en poco más de tres
días y medio y venía a ser un compendio de todo lo que ya presagiaba su
trayectoria de los últimos años.
Para esta “composición VII” realizó
unos treinta estudios preliminares. Partió de un punto y lo fue ampliando a
base de colores, formas y líneas de fuertes contrastes entre sí, en las que
alternó zonas de pintura muy diluida con otras de fuerte empaste
Es un cuadro totalmente abstracto
pero no por eso carece de significado. El siempre dijo que su idea era crear un
arte espiritual para un mundo materialista y enfermo. Que el espectador pudiera
“entrar” y “pasearse” por el cuadro.
El tema es apocalíptico y alude
al diluvio pero también a un renacimiento jubiloso. Era un grito esperanzador
ante la violencia de la primera guerra mundial y la revolución en su país.
Fuentes:
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